Apropiación

Sherrie Levine y su acto apropiativo, sólo a creadores masculinos, no es ingenuo, debe interpretarse en un contexto feminista, va más allá de la diferencia sexual. Cuestiona la "paternidad" de la obra. "Es cierto que la paternidad artística y la propiedad intelectual existen. Pero pienso que, según las épocas, interpretamos estas palabras de manera diferente. Lo que me interesa en realidad es el carácter dialéctico de estos términos". "La reproducción implica en cierto modo dos fotografías-una foto por debajo de otra foto. Para mí, es un medio de crear una metáfora superponiendo dos imágenes, en lugar de yuxtaponerlas. Esto permite una lectura alegórica de mi obra".

En Fountain (After Marcel Ducham), Levine se apropia de la "creación origina" de un artista masculino, cuestiona la mística de la creación y subvierte la autoridad masculina para liberarse.

Levine se interesa en la estrategia de la copia y el mito del artista como creador de originales. El "préstamo directo" hay que entenderlo como un antídoto a la "ansiedad de influencia", como una "ironía". Repetición como estrategia de evasión.

Cuerpo femenino y comida

... la comida, la mujer ha gobernado, por algún tiempo, con su papel de ama de casa, el espacio del hogar, la siniestra actividad tan cercana y familiar.

Atracción/repulsión hacia la comida, el alimento permite vivir, pero deforma el cuerpo que no se ajusta a los cánones de belleza... el rol femenino se construye en torno a la comida... al punto de la bulimia o la anorexia.

La mirada masculina establece metafóricamente al ser objeto de su contemplación y deseo, la disfruta como un manjar que finalmente se devora.

La mujer se presenta a sí misma como posible comestible.

No a una mirada única

... en el arte se solicita una dinámica, una pluralidad de discursos, desde la práctica, la estética y la teoría, excediendo sus propios límites...

BUSCO LA MIRADA DEL OTRO PARA LA CONSTRUCCIÓN DE MI CUERPO

Tradicionalmente el cuerpo femenino ha sido construido por la mirada masculina, por su deseo. La mujer como objeto de deseo, se vuelve presa/víctima... Diana diosa de la caza se esconde de las miradas para guardar su virginidad, y se convierte en verdugo, su furia es implacable. Su cuerpo ha dejado de ser bello.

Jenny Saville muestra cuerpos atormentados, sodomizados...

body art & performances

engendra la pasión y ejerce la opresión

... los fenómenos de atracción erótica y los de tensión agresiva anidan en la captación de opera la imago en el sujeto.

Lo visible se anuda a lo invisible, el objeto aparece bajo el signo de la ausencia... en lo real nada falta, la ausencia sólo puede ser simbólica.

El dolor es un tema recurrente para todos aquellos artistas que usan su propio cuerpo como soporte o elemento artístico. Intentan mostrar algo que el ojo no puede ver. El dolor en sí mismo, sin metáfora, como una somatización de la acción sobre el cuerpo.

Chris Burden se ha hecho colgar, disparar, encerrar, crucificar. Vito Acconci se ha mordido, golpeado, quemado en búsqueda de una reflexión sobre los límites corporales. Ulya y Marina Abramovic se ha abofeteado, quemado, cortado, quitado trozos de piel para trasladarlos a otros lugares con el fin de tomar conciencia del cuerpo y de la violencia. La lista es larga...

Aunque cada uno de estos artistas tienen motivaciones diferentes, ninguno ha podido prescindir del espacio fingido de la escena, por muy explícito y escandaloso que se proponga, el arte depende de la estructura del lenguaje, de la implementación y diseño de los temas, del SIMULACRO.

El sujeto hipermoderno, condenado a la soledad, sin conseguir alojarse en un discurso que le suministre un orden verdadero con el que nombrar lo real, carga sobre sus espaldas con el sentimiento de culpabilidad por su impotencia, sus incapacidades, su fracaso para dominarlo...

Simulacro, la representación estética de la simulación.

“El simulacro no es lo que oculta la verdad. Es la verdad la que oculta que no hay verdad. El simulacro es verdadero” Jean Baudrillard

¿Velatorio de la estética? Asistimos a un duelo de la imagen y del imaginario.
Revolcándonos en una retrospectiva interminable a los modos de representación primeros.

¿Fin de la representación, de su sistema y el final de la estética, se auguran en la pantalla fría o en la fotografía que todo lo devela?

Ante la ruina de la imaginación, de la imagen, emerge la representación binaria, unos y ceros, ceros y unos. Erigiéndonos dentro de un hiperrealismo que desmantela todo sueño e ilusión. El sujeto-imagen-objeto circula en los media , en el imperio de la cosa, que camina de la mano de la simulación.

¿Podríamos hablar de un cuerpo estético, o ya hablaríamos de un objeto hiperestético, ultraestético, megaestético, transestético, antiestético?
Cuerpo despellejado por la industria, saqueado de su principio, ¿no existe juicio estético?, ¿es un juego de economía de mercado, en qué se basa la representación?

Ser notados, ser vistos y ver, mirada dual, estar/ser sujeto de la contemplación del otro. Nos volvemos conscientes de nuestra corporeidad invocando al receptor.

El aislamiento solicita un modelo figurado, buscando a otros a partir nuestro espacio.

La verdad es únicamente lo que ha llegado a ser ...

... su contenido, ¿en su propia transitoriedad?